Die besten Filme 2025: Kritiker-Favoriten und Überraschungshits

Mit halbem Jahr hinter sich zeigt das Kinojahr seine Vielseitigkeit: Die Filmkritik 2025 attestiert sowohl Blockbustern als auch kleinen Produktionen enormes Potenzial. Überraschungshits und stark gespielte Rollen prägen das Bild – und weisen auf bewegendes, mutiges und aktuelles Erzählen hin.

Zentrale Punkte

• Action-Drama: „A Working Man“ mit Jason Statham überrascht mit emotionaler Tiefe
• Genrevielfalt: Sci-Fi, Horror, Komödie und Dokumentation auf hohem Niveau vertreten
• Starke Hauptrollen: Frauenfiguren in Filmen wie „Snow White“ und „Linda“ prägen das Jahr
• Dokumentationen: „Sly“ und „Sly & the Family Stone“ überzeugen mit Tiefgang
• Retro trifft Zeitgeist: Fortsetzungen (z. B. „Bridget Jones“) und Remakes im neuen Gewand

Bei genauerer Betrachtung dieser Filme fällt auf, wie sehr das Kino im Jahr 2025 als soziales und kulturelles Barometer funktioniert. Die Themen, die in den Werken verhandelt werden, reichen von familiären Konflikten und politischen Umbrüchen bis hin zur modernen Arbeitswelt und den Abgründen des Showbusiness. Besonders auffällig ist dabei, dass selbst große Actiontitel einen starken Fokus auf persönliche Geschichten legen: Der Trend geht weg vom Plakathelden, hin zum mehrdimensionalen Charakter, mit dem sich das Publikum identifizieren kann. Das erzeugt Nähe und eröffnet neue Perspektiven.

Auch die Resonanz in den sozialen Medien spiegelt wider, wie sehr unterschiedliche Genres innerhalb kurzer Zeit ein großes Publikum erreichen können. Filme wie „Snow White“ regen hitzige Diskussionen an – nicht nur unter Märchenfans, sondern auch in Politikforen. „Linda“ wird auf Elternportalen viel diskutiert; das Thema psychische Gesundheit in Elternschaft trifft einen Nerv unserer Zeit. Gleichzeitig floriert das Fan-Art- und Cosplay-Universum durch neue Marvel-Figuren oder kultige Horror-Produktionen wie „Until Dawn“. Dieses breite Spektrum zeigt, dass das Kinojahr 2025 für verschiedene Generationen und Interessen ein starkes Repertoire bereithält.

A Working Man: Action trifft Herz

Mit „A Working Man“ legt David Ayer einen der ruhigeren, aber wirkungsvollen Filme des Jahres vor. Die Geschichte eines Ex-Terrorbekämpfers, der in eine Kindesentführung hineingezogen wird, entfaltet sich spannungsvoll. Jason Statham hebt sich mit seiner Darstellung klar von bisherigen Rollen ab. Der Film lebt vom Kontrast zwischen familiärer Fürsorge und brutaler Vergangenheit. Die stimmige Mischung aus Action und Emotion bringt Ayer zurück ins Rampenlicht.

Besonders hervorzuheben ist das klug eingesetzte Tempo: Statt pausenloser Verfolgungsjagden setzt der Regisseur auf wohldosierte Actionsequenzen, die dem Zuschauer Zeit geben, die innere Zerrissenheit des Protagonisten zu begreifen. Jason Statham zeigt eine bislang ungewohnte Verletzlichkeit, die seinem Charakter mehr Tiefe verleiht. Die Filmmusik – eine Mischung aus leisen Klavierklängen und bedrohlichen Bassläufen – unterstützt diese Atmosphäre wirkungsvoll. Das Set-Design, insbesondere die Szenen in dunklen Hafendocks, vermittelt zugleich das Gefühl einer bedrohlich-trügerischen Ruhe, die jederzeit in Gewalt umschlagen kann. Für Fans von David Ayers Inszenierungen wie „End of Watch“ oder „Fury“ ist „A Working Man“ ein weiterer Beweis, dass Action und Charakterstudien nicht zwangsläufig im Widerspruch stehen müssen.

Snow White: Märchen reloaded

„Snow White“ bricht bewusst mit der Erwartungshaltung des klassischen Märchenfilms. Regisseur Marc Webb inszeniert eine moderne, feministische Interpretation mit klarer visueller Linie. Rachel Zegler bringt neue Verletzlichkeit in die Figur der Schneewittchen, während Gal Gadot als grausame Königin die Leinwand dominiert. Die filmische Ausgestaltung kombiniert Fantasie mit politischem Subtext. Das Ergebnis begeistert nicht nur Jugendliche, sondern öffnet auch Erwachsenen neue Zugänge zum Stoff.

Abseits der bekannten Märchen-Elemente, wie dem berühmten Apfel oder den sieben Zwergen, fügt Webb neue Konfliktlinien ein: Machtkämpfe am königlichen Hof, Intrigen zwischen einflussreichen Beratern und eine offene Diskussion um patriarchale Strukturen. Gal Gadots Königin wird nicht als eindimensionale Bösewichtin gezeigt, sondern als Produkt einer gnadenlosen Gesellschaft, in der Schönheit und Macht unverzichtbare Werkzeuge sind. Rachel Zegler punktet durch eine Schneewittchen-Figur, die sich ihre eigene Identität zu erkämpfen versucht. Dieser Ansatz führt zu spannenden Diskussionen, etwa in feministischen Filmkreisen, da theatralische Elemente und moderne Problemstellungen nahtlos verschmelzen. Alles in allem ein visuell starkes Werk, das ein altes Märchen in unsere Gegenwart transportiert.

Science-Fiction mit Herz: The Electric State

Millie Bobby Brown führt in „The Electric State“ durch eine nahezu menschenleere Welt der Zukunft. Die Reise mit einem sympathischen Roboter an ihrer Seite entfaltet eine Erzählung über Verlust, Hoffnung und digitale Einsamkeit. Besonders hervorzuheben sind die detailreichen Bilder und das überlegte Pacing. Chris Pratt ergänzt die Geschichte mit subtiler Präsenz, während die Russo-Brüder zeigen, dass sie auch ohne Marvel große Stoffe stemmen können. Der Film hebt sich innerhalb des Sci-Fi-Jahres qualitativ ab.

Mit seiner Kombination aus Roadmovie-Elementen und postapokalyptischem Setting gelingt es „The Electric State“, eine Brücke zwischen klassischer Nostalgie – etwa in Form von alten Tankstellen-Szenarien – und futuristischen Technologien wie KI-gesteuerten Drohnen zu schlagen. Dabei stehen menschliche Beziehungen im Mittelpunkt: Die Freundschaft zwischen Millie Bobby Browns Figur und dem Roboter zeugt von einer ungewohnten Herzlichkeit, die in dystopischen Filmen oft zu kurz kommt. Das Publikum erlebt so nicht nur rasante Actionszenen, sondern auch stille Momente der Einkehr, in denen Erinnerungen und Zukunftshoffnungen ineinanderfließen. Dieses emotionale Fundament macht den Film zu einem Highlight für diejenigen, die in der Science-Fiction nicht nur technische Visionen, sondern auch menschliche Geschichten suchen.

Independent-Höhepunkt mit Humor: Linda

„Linda“ rückt die psychische Belastung moderner Elternschaft in den Fokus. Regisseurin Mary Bronstein arbeitet stark mit symbolisch verdichteten Bildern und schwarzem Humor. Rose Byrne glänzt als überforderte Therapeutin, ohne je ins Klischee zu rutschen. Besonders wirksam sind die vielen kleinen Alltagsdetails, die Brynes Figur menschlich und nahbar machen. Die Filmkritik 2025 feiert die vielschichtige Dramödie bereits als potenziellen Festivalgewinner.

Ein bemerkenswerter Aspekt des Films ist die subtile Art, in der die Kamera auf Emotionen verweilt. Bronstein setzt lange Einstellungen auf das Gesicht von Rose Byrne, um stille Verzweiflung, aber auch komische Momente in Alltagskatastrophen einzufangen. Die Balance zwischen Leichtigkeit und Tiefgang wird dabei durch pointierte Dialoge hergestellt, bei denen sich unfreiwillige Komik mit einem verunsicherten Lächeln des Publikums mischt. Der Schmerz einer überforderten Mutter – die zugleich versucht, als Therapeutin ihren Patienten zu helfen – wirkt im Spiegel der Gesellschaft besonders relevant. „Linda“ trifft damit den Nerv unserer Zeit, in der viele Elternteile unter Druck stehen, Beruf und Familie unter einen Hut zu bringen, während Erwartungen an Selbstverwirklichung immer weiter steigen.

Dokumentarische Highlights mit Tiefblick

Die Musik-Dokus „Sly“ und „Sly & the Family Stone“ beleuchten das Innenleben zweier Legenden. Amy Berg wählt mit „Sly“ einen sensiblen Blickwinkel auf Jeff Buckley. Die eingebundenen Interviews ermöglichen authentische Nähe. Questloves Doku über Sly Stone hingegen bringt Rhythmus ins Kino – und stellt wichtige Fragen nach afroamerikanischer Identität im Musikgeschäft. Beide Filme erhielten Standing Ovations auf dem Sundance Festival und gelten als Festival-Highlights der ersten Jahreshälfte.

Während Amy Berg auf introspektive Momente und Archivaufnahmen setzt, arbeitet Questlove zusätzlich mit Live-Performances und einer dokumentarischen Collage aus Konzertausschnitten und Statements langjähriger Wegbegleiter. Diese Parallelität macht deutlich, wie unterschiedlich die Methode der Dokumentation sein kann, um jeweils spezifische Facetten einer Künstlerpersönlichkeit offenzulegen. Bei „Sly & the Family Stone“ wird vor allem der gesellschaftliche Kontext beleuchtet: Wie lebte und schuf man Musik in einer Zeit, in der politische und soziale Umbrüche das Land erschütterten? Bei „Sly“ steht hingegen die Zerbrechlichkeit der Künstlerseele im Vordergrund: Der Zuschauer bekommt Einblick in Jeff Buckleys Schaffensprozess und die emotionalen Herausforderungen, die ihn begleiteten. Dies verleiht den Dokumentationen eine ungewöhnliche Tiefe und Varianz.

Beide Filme betonen zudem, dass künstlerische Inspiration oft aus der Auseinandersetzung mit sozialen Realitäten entsteht. Gerade für Musikliebhaber, die sich für die Hintergründe berühmter Legenden interessieren, sind diese Werke ein Muss. Doch selbst Zuschauer, die wenig Bezug zum Musikgeschäft haben, können in den persönlichen, teils sehr intimen Momenten viel über Kreativität, Leidenschaft und den Umgang mit Rückschlägen lernen. Die Standing Ovations in Sundance sind daher nur folgerichtig.

Nordische Groteske: Stepsister

Regisseurin Emilie Blichfeldt gibt dem Aschenputtel-Motiv eine düstere Wendung. „Stepsister“ kombiniert nordische Kargheit mit schwarzem Humor und kräftiger Farbgestaltung. Die Bildsprache erinnert stark an Werke wie Shang-Chi in seinem mythenschweren Ansatz. Kostüm, Rhythmus und das verzerrte Märchenpersonal bieten eine ganz neue Sicht auf alte Narrative. Besonders in Europa wird der Film als radikaler Neuanfang im Genre gelobt.

Interessant ist die Art, wie Blichfeldt Traditionen bricht. Das Aschenputtel-Motiv wird weitestgehend auf den Kopf gestellt: Statt einer still leidenden Hauptfigur erleben wir eine aktive, wütende Protagonistin, die durch ihren Hass auf die Stiefschwestern eine Reihe von Komplikationen auslöst. Der rauhe skandinavische Stil – geprägt von nebelverhangenen Wäldern und eisblauen Lichtstimmungen – schafft eine Atmosphäre, in der Märchenelemente und realistische Härte verschmelzen. Dabei gerät das Publikum immer wieder ins Schwanken, ob es sich hier um pure Fantasie oder eine allegorische Verarbeitung von Familiendynamiken handelt. Gerade dieses Wechselspiel aus Humor, Horror und moralischen Grautönen macht „Stepsister“ zu einer Groteske, die lange nachwirkt.

Soderberghs Meisterstück: Eephus

„Eephus“ zeigt Steven Soderbergh in Höchstform. Die Handlung entwickelt sich vielschichtig: Spionage-Elemente verschmelzen mit Sportfilm-Strukturen. Gleichzeitig gelingt es dem Regisseur, erstaunlich persönliche Charaktergeschichten zu erzählen. Die temporeiche Bildführung lässt keine Längen zu. Hinzu kommt: Die Komödie im Baseball-Milieu sorgt für Unerwartetes – sowohl inhaltlich als auch filmisch.

Soderbergh experimentiert mit Perspektiven: Wechsel zwischen Überwachungskamera-Aufnahmen und klassischen Nahaufnahmen bekommen eine dramaturgische Funktion. Während die Spionage-Plots häufig von düsteren Mächten im Hintergrund gelenkt werden, verharrt Soderbergh in den Baseball-Szenen auf Details – etwa das Knirschen der Schuhe auf Sand oder das Rascheln der Handschuhe. So entsteht ein Kontrast, der die Absurdität dieser Doppelebene noch stärker betont. Die Dialoge bestechen durch humorvolle Anspielungen auf typische Agenten-Klischees. Hinter der vordergründigen Komik steckt allerdings viel Gesellschaftskritik, wenn es um Kapitalinteressen im Profi-Sport geht. „Eephus“ zeigt einmal mehr, dass Soderbergh ein Meister darin ist, Genregrenzen nicht nur zu überschreiten, sondern neu zu definieren.

Horror neu gedacht: Until Dawn

Basierend auf dem Videospiel gleichen Namens entfaltet sich „Until Dawn“ in einer Zeitschleife voller psychologischem Nervenkitzel. Die jungen Darstellerinnen Ella Rubin und Odessa A’zion setzen spannende Akzente, ohne ins Übertrieben-Dramatische abzurutschen. Die Struktur des Films bricht klassische Erzählweisen auf. Damit erreicht er auch ein neues Publikum, das bisher Horror eher gemieden hat. Besonders Videospiel-Fans werden begeistert sein – ähnlich wie bei Lucasfilm Games-Produktionen.

Der Verzicht auf allzu typische Jumpscares zugunsten einer stetig ansteigenden Ungewissheit ist das größte Kapital des Films. Wer das Spiel kennt, weiß, dass Wiederholungen und alternative Handlungsstränge eine zentrale Rolle spielen – und genau diese Mechanik greift der Film geschickt auf. Immer wenn das Publikum glaubt, einen Moment oder ein Detail zu verstehen, changiert der Plot in eine andere Richtung. Das erzeugt ein Gefühl des permanentes Ausgeliefertseins, ohne die Geschichte jemals zu vorhersehbar zu machen. So bleibt „Until Dawn“ auch für eingefleischte Horror-Fans eine spannende Erfahrung. Zusätzlich verschmilzt das Element der Gruppendynamik – verschiedene Jugendliche, die sich gegenseitig misstrauen – mit einer psychologisch interessanten Studie über Angst und Identität. Regisseur Jordan Hauges versteht es, moderne Horrorelemente mit Videospiel-Strukturen zu verbinden und so ein narratives Experiment im Mainstream zu platzieren.

Unterhaltung mit Metaebene

Renée Zellweger kehrt in „Bridget Jones: Mad About the Boy“ zurück auf bekannte Pfade – und macht gleichzeitig vieles neu. Der Online-Dating-Markt, Altersdiskriminierung und familiäre Überforderung liefern neue Konflikte. Der Humor bleibt britisch-trocken. Gleichzeitig punktet der Film mit bitteren Untertönen. Langjährige Fans fühlen sich abgeholt, neue Zuschauer erleben eine rundum aktuelle Frauengeschichte.

Wie gelingt es Regisseur Gordon Douglas, die bekannte Figur Bridget Jones ins hier und jetzt zu transferieren, ohne ihren Kultstatus zu gefährden? Auch hier liegt ein Schwerpunkt auf situativer Komik, die aber in Themen wie digitale Dates und Gesellschaftserwartungen eingebettet wird. So erlebt man Bridget Jones, wie sie mit Apps und Social-Media-Kommentaren hadert, während sie sich gleichzeitig gegen Vorurteile in der Arbeitswelt behaupten muss. Das war in früheren Filmen höchstens angedeutet und wirkt jetzt umso relevanter. Schön ist zudem, dass Renée Zellweger die Balance zwischen Hedonismus und kindlicher Naivität gefunden hat, die einst den Erfolg der Reihe ausmachte. Damit zeigt der Film eindrucksvoll, dass berühmte Figuren durchaus reifen können, ohne ihren Charme zu verlieren.

Mehr als Helden: Thunderbolts

Die neueste Marvel-Produktion „Thunderbolts“ bringt Antihelden auf den Bildschirm, die ein dunkles Kapitel ihrer Vergangenheit aufarbeiten. Florence Pugh gibt ihrer Figur emotionale Tiefe. Sebastian Stan ergänzt das Ensemble mit eindrucksvoller Coolness. Die Kritik hebt den frischen Ansatz positiv hervor, ähnlich wie beim Reboot von Kevin – Allein zu Haus. Der bis dato am meisten diskutierte Marvel-Film des Jahres überzeugt durch Abgrenzung.

Sowohl Fans als auch Kritiker begrüßen die Tatsache, dass Marvel hier eine neue Gangart wagt. Statt der gewohnten „Welt retten“-, „Gut gegen Böse“-Formel setzt „Thunderbolts“ auf gebrochene Charaktere, die gegeneinander – und letztlich gegen die eigenen Dämonen – kämpfen. Der Film entsteht damit in einer Phase, in der Superhelden-Franchises nach Möglichkeiten suchen, klassische Muster aufzubrechen. Insbesondere die moralischen Dilemmata der Protagonisten bieten eine narrative Tiefe, die im Vergleich zu früheren Marvel-Titeln auffällt. Außerdem ist die Dynamik im Team sehr unvorhersehbar: Wer ist vertrauenswürdig, wer manipulierbar und welche Charaktere entwickeln ihre Loyalitäten im Laufe der Geschichte? Diese Fragen halten die Spannung hoch und sorgen dafür, dass das Publikum sich mit mehr als nur epischen Actionszenen beschäftigt.

Spionage trifft Nostalgie: Back in Action

Jamie Foxx und Cameron Diaz liefern in „Back in Action“ ein Comeback mit Augenzwinkern. Regisseur und Schnitt setzen stark auf Rhythmus und Ironie. Die Handlung erinnert an Klassiker der 90er, weiß aber mit digitalen Mitteln zu punkten. Gerade durch das Zusammenspiel der Hauptdarstellenden gewinnt der Film an Leichtigkeit. Klassische Thriller-Elemente mit überraschendem Witz: So sieht Spionagefilm 2025 aus.

Der Film ist ein gelungenes Beispiel dafür, wie Retro-Feeling und moderne Technik verschmelzen. So werden Verfolgungsjagden manchmal bewusst „old school“ inszeniert, etwa auf schlecht beleuchteten Straßen, nur um anschließend auf futuristische Gadgets oder Drohnenüberwachung zu setzen. Die Chemie zwischen Jamie Foxx und Cameron Diaz schöpft aus ihrer gemeinsamen Vergangenheit in Komödien, diesmal eingebettet in ein Agentensetting. Dabei spielt „Back in Action“ mit Klischees, etwa wenn Diaz’ Figur völlig unvorbereitet in eine Schießerei gerät und sich nur mit Schlagfertigkeit und Improvisation retten kann. Gerade diese Mischung aus Situationskomik und actiongeladener Dramaturgie zieht das Publikum in ihren Bann.

Emotionen stark umgesetzt: The Friend & Eunice

„The Friend“ bringt Bill Murray in seiner bewegendsten Rolle seit Jahren auf die Leinwand. Naomi Watts agiert zurückhaltend, aber ausdrucksstark. Die Geschichte verarbeitet persönliche Trauer authentisch und aufrichtig. Auch „Eunice“ geht diesen Weg: Der brasilianische Film bringt politische Ereignisse auf eindrucksvolle Weise in den privaten Rahmen. Besonders die Darstellung von Fernanda Torres als Ehefrau eines Verschleppten beeindruckt nachhaltig.

Obwohl beide Filme thematisch verschieden erscheinen – „The Friend“ fokussiert sich auf den Umgang mit Tod und Krankheit in einer amerikanischen Kleinstadt, während „Eunice“ politische Gewalt im lateinamerikanischen Kontext behandelt –, verbinden sie doch ähnliche Fragen: Wie geht man mit unabwendbarer Veränderung um? Wann wird Trauer zum Ansporn für Widerstand, und wann führt sie in Einsamkeit? Die beiden Werke glänzen, indem sie Schicksale nicht als Heldenepen darstellen, sondern als leise, innerlich zerrissene Prozesse. Die Kameraarbeit in „Eunice“ wirkt fast dokumentarisch, wenn sie das familiäre Umfeld beobachtet und die allgegenwärtige Bedrohung durch Militärpräsenz spürbar macht. Gleichzeitig berühren die tragikomischen Momente in „The Friend“, in denen Bill Murray zeigt, dass Humor und Verzweiflung sich im Filmemachen nicht ausschließen.

Blind: Das unbemerkte Juwel

Obwohl „Blind“ bereits in der obigen Tabelle auftaucht, genießt der Film im breiteren Publikum noch einen Underdog-Status. Dennoch schwärmen Kritiker von der Independent-Produktion, besonders in Bezug auf die feinfühlige Inszenierung. Regisseurin Frances Morris erzählt die Geschichte einer Musikerin, die nach einer schweren Operation ihre Sehkraft verliert. In bewegenden Montagen werden Klänge, Töne und ihr inneres Erleben kunstvoll in Szene gesetzt.

Mehrere Gründe machen „Blind“ zu einem Juwel: Zum einen die herausragende Darstellerleistung von Anya Taylor-Joy, die als Hauptfigur gleichzeitig Zerbrechlichkeit und unbändigen Lebensmut verkörpert. Zum anderen das experimentelle Sounddesign, das das Publikum in die Wahrnehmungswelt der Protagonistin hineinzieht. Fast meditativ wirkt das Zusammenfließen von Lichtreflexen und Geräuschen, wenn man die Orientierungslosigkeit der Figur nachempfinden soll. Trotz des ernsten Themas setzt „Blind“ auf Mut und Hoffnung, weist aber zugleich die Schwierigkeiten auf, mit denen eine ehemals erfolgreiche Künstlerin konfrontiert ist, wenn plötzlich alles Vertraute in Frage steht. Besonders auf Filmfestivals wird das Werk als ambitionierter und künstlerisch wertvoller Beitrag im Independent-Bereich gehandelt.

Filmübersicht 2025 im Vergleich

Viele dieser Filme stehen 2025 schon früh in der Gunst der Kinocharts. Die folgende Tabelle zeigt ihre bisherige Bewertung (Stand April 2025):

Etliche Branchenkenner vermuten, dass diese Zahlen in den nächsten Monaten noch steigen könnten, insbesondere wenn die Marketingkampagnen verstärkt anlaufen. Gerade bei Produktionen wie „A Working Man“ oder „Stepsister“ dürfte es spannend sein zu sehen, wie das internationale Publikum reagiert, sobald die Filme in weiteren Ländern starten. In Fachkreisen wird außerdem diskutiert, ob Streaming-Plattformen in der zweiten Jahreshälfte vermehrt Interesse zeigen, einige Titel mit exklusiven Angeboten zu platzieren. Das könnte die Bewertung in onlinebasierten Datenbanken weiter beeinflussen.

Ein Jahr voller Kinoerlebnisse

Das Kinojahr 2025 zeigt, wie viel erzählerische Kraft im Medium Film steckt. Vorstellungen über Humor, Heldentum, Liebe und Moral werden neu verhandelt. Das Publikum bekommt Qualität und Vielfalt. Überraschungshits lockern die Blockbuster-Dominanz auf. Die Filmkritik 2025 reflektiert diesen Aufbruch – und freut sich auf das, was noch kommt.

Ganz gleich, ob man sich für große Franchises, tiefgründige Dokumentationen oder innovative Independent-Filme begeistert: 2025 bietet für jeden Geschmack etwas. Mit frischen Interpretationen von Märchen und Comics, neuen Ansätzen im Horrorgenre und einer wachsenden Szene für künstlerische Experimente setzt dieses Filmjahr neue Impulse. Die Mischung aus altbekannten Gesichtern (wie Bridget Jones) und ungewohnten, radikalen Stoffen (etwa in „Stepsister“) verleiht dem Kino eine einzigartige Dynamik. Hinzu kommen Regisseurinnen und Regisseure, die großen Wert auf emotionale Authentizität legen, ohne dabei das Spektakel aus den Augen zu verlieren.

Gleichzeitig zeigt 2025, dass sich Film und gesellschaftlicher Diskurs immer stärker durchdringen. Themen wie Diversität, Inklusion und mentale Gesundheit sind keine Randerscheinungen mehr, sondern essenzielle Bestandteile der Produktionen und ihrer Vermarktung. Dank Portal-Diskussionen und intensiver Fan-Kommunikation in sozialen Netzwerken haben auch kleinere Filme die Chance, über Mundpropaganda und Online-Hypes größere Aufmerksamkeit zu erlangen. In wenigen Monaten wird sich zeigen, welche weiteren Überraschungen und mutigen Projekte noch in die Kinos kommen – und ob die aktuelle Qualität weiter zunimmt. Jetzt bleibt nur noch die Vorfreude auf die zweite Jahreshälfte, in der sich manch ein Projekt zum heimlichen Blockbuster entwickeln könnte.